Utiliza la pintura, mediante el recurso a la apropiación fotográfica y la representación perceptual, elementos formales como la pincelada, el empaste y la recreación de la volumetría en un intento de ser “la realidad”, o por lo menos imitarla.

La mímesis antes y durante algunos periodos de la modernidad representaba uno y porque no decirlo el concepto que fundamentaba del Arte. Magritte es un ejemplo; como muchos otros, un artista que cuestiona a través de su pintura la idea de representación y el propio medio pictórico, estos procesos y pensamientos son los que nutren su propuesta.

Es Profesora Nacional de Dibujo y Grabado, egresada del Instituto Superior de Enseñanza Santa Ana, de la Ciudad de Buenos Aires.Continuó su formación con diversos profesores y artistas como Luis Felipe Noé,
Sergio Bazán y Manuel Amestoy.
Asistió al taller de cerámica de Alejandro Somaschini. Desde 1993 y hasta la actualidad, ejerce la docencia en Artes Visuales en diferentes niveles. Participa regularmente en exposiciones grupales, y ha realizado exhibiciones individuales en Ecuador, Costa Rica, Miami, Chicago y Buenos Aires.Participó en ferias y exposiciones con las galerías Jacob Karpio (San José, Bs As,
Miami) y DPM Gallery (Guayaquil).
Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires

Sequeira le ha dado a su trabajo un carácter caligráfico como si se tratara del establecimiento de una lengua, y no solo desde su perspectiva como herramienta comunicativa sino con sentido de cosmogonoia… Desde el elemento primario- que no primitivo. Que es la seda que nos habla de cierto tipo de pureza, hasta la resina escultórica, un polímero termoestable maravilla de la ciencia… En la obra de Sequeira todos los elementos nos van remitiendo a un estado de limbo consciente, de inescrutable intermediación, de nexo entre lo natural y lo fantástico, entre lo puro y lo toxico, entre lo sacro y lo profano, lo adentro y lo de afuera.

Ale Rambar, artista costarricense dedicado a la creación de obras de arte tridimensional a partir de capas de papel. Para su realización analizo cuerpos humanos y sobre ellos dibujo sus curvas topográficas, una a la vez. Cada pieza es dibujada y calculada por aparte, para luego ser cortadas individualmente y ensambladas a mano.

Utilizo esta técnica para hablar de temas de tolerancia por el entorno en que vivimos, por las personas que habitamos en él y por nuestras representaciones del amor. Es una exploración artística en pro de la igualdad, el amor, el respeto y la diversidad sexual, expresados en obras de arte que buscan abrir espacios para la conversación.

En los últimos 8 años he tenido el honor de presentar mi trabajo en espacios de prestigio como el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica (MADC), el Museo de Arte Costarricense (MAC), los Museos del Banco Central de Costa Rica, el Museo Nacional de Arte de China y el Museo Fengxiang en Shanghai. Mis obras de arte forman parte de las colecciones del Banco Interamericano de Desarrollo en Washington DC, la Bienal Internacional de Arte en Papel de China, la Delegación de la Unión Europea en Costa Rica y Panamá, entre otras colecciones privadas.

Éste artista se especializa costarricense en simbologías tales como jardines silvestres, el agua o bien ideas abstractas. Pretende un arte simple sin complicaciones. La obra de Gómez ha sido exhibida en Costa Rica, San Francisco, Nueva York, Francia,California,Alemania y México, entre otros. Su obra pertenece a colecciones publicas y privadas tanto  nacionales como internacionales.

Ana Seggiaro nace en Buenos Aires, Argentina, en 1965. De carácter inicialmente pictórica, en sus distintas etapas, su obra fue explorando e incorporando nuevos materiales y medios que complementaron el óleo y el grabado que son su base de origen. Actualmente está desarrollando la técnica del bordado. Egresada en dibujo y grabado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1988, siempre continuó su formación y especialización en diversos talleres y estudios, entre los que se destacan: Taller de pintura con Sergio Bazan, Seminario de arte contemporáneo con Hugo Petrochansky, Taller de litografía con Lucrecia Orloff, Taller de pintura con María Luisa Manassero y Taller de pintura con Kenneth Kemble, entre otros.

Su obra es la construcción de una poética fotográfica, Y como toda poética intenta subvertir los códigos y convenciones del lenguaje que la expresa. La técnica que usa podría llamarse “Toma directa de acción” o “Foto performance lumínica”: En la oscuridad ilumina la escena manualmente, creando con la luz un espacio de subjetividad que imprime relatos en la imagen. El uso de la luz y el color tienen un sentido plástico y conceptual. Nada puede conocerse sin las luces y las sombras. Los contrastes entre los fulgurantes brillos y la oscuridad acentúan el misterio de lo humano, lo bello, y a veces lo terrible

Andriy Halashyn nació en Ucrania, visito Costa Rica por primera vez con su padre, un reconocido artista de vidrio soplado. Una vez en Costa Rica, se enamoro y nunca más miro atrás, haciendo de este país su casa por los últimos 15 años. Hoy en día Halashyn, es una sensación global, exhibiendo en prestigiosas galerías a través del mundo. Sus pinturas distopicas tienen un toque rico y cosmopolita que hacen referencia a la alta cultura popular, la moda y la publicidad. Su uso de oleos al representar tienen cualidades gráficas y altamente saturadas, al igual que composiciones de tipo collage que yuxtaponen lo elegante con la dura realidad.

Aunque el artista guatemalteco Ángel Poyón se aleja de la típica ejecución artística propia de sus raíces indígenas, su obra explora profundamente los temas de identidad y asimilación.

Uruguayo, de fama internacional. Ha vivido en Santiago de Compostela, España,Lund, Suecia y en Moravia, Costa Rica. Estudió en la Grafikskolan Forum, Malmo, en Suecia, y ha trabajado como profesor de la Vestland's Art Academy de Bergen, Noruega. Ha presentado exposiciones individuales en museos y galerías en Costa Rica, Uruguay, Chile, Inglaterra, Suecia, España, Estados Unidos, Noruega, Alemania, Ecuador, Francia y Cuba. Plural en sus propuestas y de un lenguaje complejo que se traduce en pintura, objeto, vídeos, fotografía y grabado.

Artista autodidacta que a temprana edad inició su participación en exposiciones colectivas e individuales, dándose a conocer en los círculos artísticos más activos de América. En 1962 fue “descubierto” por el Grupo 8. La obra de Poveda se ha caracterizado por una constante innovación y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Inició su carrera con el dibujo, en blanco y negro, centrado en la figura humana que se fue estilizando a trazos de aves en vuelo y nubes. Desde 1975 su obra se fue materializando con soportes en madera, cartón, yeso y el uso de resina, plásticos y metales en temas de vegetación y paisajes. Como lo indica Poveda, “la investigación es parte intrínseca de mi trabajo artístico y esto, sin duda, me causa gran placer”.

Cecile Chong es una artista multimedia que trabaja en pintura, escultura e instalación, en los cuales usa diferentes materiales, identidades e historias. Su trabajo discute ideas de la interacción e interpretación de la cultura, al igual que la forma en la cual los humanos comparten  sus relaciones con la naturaleza y entre sí. Inspirada por materiales, le interesa la forma en que se adquiere y comparte la cultura, al igual que la manera en que las culturas del mundo interactúan en formas inconcebibles. En su trabajo ella busca artefactos tradicionales, preguntándose que tipo de reliquias tangibles podemos dejar para generaciones futuras y lo que estas pueden decir sobre quienes éramos y como vivíamos.

Cecilia Paredes es una artista multimedia quien utiliza el perfomance como elemento base de creación y experiencia, utilizando su cuerpo como herramienta y como agente detonante para la aprehensión del mundo que le rodea.El uso extensivo de su cuerpo en la práctica artística le ha permitido desarrollar una sensibilidad hacia texturas, materiales y espacios; esta sensibilidad se refleja en gran parte de sus obras, las cuales utilizan materiales textiles que se funden con su cuerpo. Más allá del efectismo de la fotografía, el cual requiere un amplio conocimiento técnico, sus obras logran conglomerar lo natural y lo artificial, la naturalidad del cuerpo y lo artificial de los textiles; así como el constante uso de aluciones a la naturaleza en su obra; de esta manera, vestido, cuerpo y espacio generan un solo ente.

Paredes vive y trabaja ente Pennsylvania, Costa Rica y Perú.Sus obras se han exuesto en la Bienal de la Habana, laBienal de Venecia, así como en mùltiples expociones colectivas en USA, España, Italia, Rusia, Perú y Centroamérica.

Diego Linares dinamiza la relación entre fotografía, diseño, imagen en los medios de masas e imaginario cibernético, ayudándonos a pensar de nuevo cuales son los mecanismos que construyen una imagen. Y como, teniendo en cuenta el parámetro modernista, fotografía y diseño ,imagen en los mismos medios, que dio nacimiento a las preguntas sobre la producción, representación y originalidad. Linares engarza su discurso con el tiempo presente, en el que la imagen digital nos exige plantear el status de la imagen en forma distinta.

Vive y trabaja en Costa Rica. Pinta desde que tiene memoria, no es un hombre renacentista, pero quisiera. A veces pinta sin boceto y otras intenta capturar la realidad. A pesar de la contradicción, trata de regirse por lo aleatorio. Crea en el fluir, diluirse, viajar en el tiempo, en lo absurdo, en el efecto mariposa, en la polisemia, en cada fragmento del universo descontextualizado, en decir y no decir y en lo irracional. Esa es la forma en que se construye su trabajo, pero sobre todo cree en la pintura.

Esteban Fernández es un artista nacional reconocido por su abstracción. Utiliza colores en su estado puro, pintando libremente formas y recorridos visuales que son a firma de su estilo. Fernández también por el uso de texturas, experimentando con materiales varios.

Desde la década de los 70s Fabio Herrera ha mantenido un inquebrantable trabajo, siendo uno de los artistas nacionales con mayor constancia de trabajo y diversidad en su trayectoria. Los trabajos de Fabio Herrera, los cuales parten de sus emblemáticas acuarelas al incursionar en la pintura, han tomado distantitas formas y contextos los cuales se convierten en modificadores directos de su visión del mundo.

En la obra centroamericana, Herrera utiliza el lenguaje abstracto que le caracteriza si que ello signifique un acto de refugio en formulas cromáticas o técnicas retoricas, al contrario, en esta ocasión Herrera se distancia de los colores saturados y formas organizas utilizadas en obras recientes y se aboca a realizar una obra en la cual las formas regulares se complementan junto a los colores que al desplazarse sobre lienzo se desvanecen y se fugan mutuamente. Esta particularidad de reinventarse es una de las cualidades del artista, quien ante todo acto pictórico agigante la carrera que ha desarrollado.

El desterrado vive simultáneamente en varios niveles de temporalidad, presentes y pretéritos, sin distinguirlos siempre bien. Conte, como un sujeto desposeedor de territorios o tiempos estables, ha sabido encontrar su hogar en su que hacer artístico. Se coloca frente al lienzo, como si estuviera frente a la fachada de su hogar o como si mirara un álbum fotográfico familiar, la tela y sus herramientas se convierten en sus dimensiones temporales espaciales. No nos extraña entonces (aunque si nos sorprende) que sea maestro de las textura, que sea reconocido tanto en Nueva York como en Europa y que haya influenciado en las escenas artísticas de nuestra región.

Nacido en Haifa, Israel en 1968, Idan Zareski ha tenido un poco convencional pero sorpresivo viaje. A muy temprana edad fue inmerso en múltiples culturas y ha vivido una vida cosmopolita en África, Europa, Estados Unidos y Latino América. A los 39 años decidió alejarse de todo para seguir su pasión, la escultura. Idan rapidamente gano reconocimiento internacional con su Big Foot Family y sus exhibiciones permanentes donde  esculturas monumentales son reconocidas  mundialmente.

Las obras escultóricas de Ilse Ortiz se categorizan por tomar como referencia los modelos cósmicos prehispánicos y las descripciones geométricas de narraciones de la Creación. Los materiales metálicos de sus obras le permiten encontrar un efecto que ella considera “desdoblamiento”, creando múltiples dimensiones en el objeto escultórico.

Irina Rosenfeldt es una artista argentina que se caracteriza por el uso de colores saturados y altos contrastes. Sus obras poseen una energía barroca llena de movimientos. Irina es una representante de como el arte abstracto triunfa y se mantiene vigente en nuestros días.

Con más de dos décadas dedicado exclusivamente a la fotografía, el trabajo de Jose Díaz se ha desarrollado en dos áreas fundamentales: una como fotorreportero para los medios y otra con su obra más incidental de carácter artístico. ‘Sagrados y Salvajes’ reúne dos series inéditas del autor: Cámara Laica y Tender una trampa. Camara Laica propone el encuentro y disfrute de la religiosidad popular costarricense que no es muy distinta cultural y simbólicamente a la del resto de Latinoamérica. La distinción es otra, el tratamiento que de la misma hace Jose Díaz a través de su ojo y de su humor, no sin respeto, pero si cargada de ironía. Tender una Trampa, retoma muchos de los elementos kitsch que afloran en la serie religiosa, por el uso de los paños que se consiguen en los mercados populares, esta vez con estampados de animales salvajes. Lo que cambia es quizas la intención de Díaz para hablar de otro de los mitos alrededor de la visión de Costa Rica: la naturaleza.

A través de los motivos antropomorfos, las esculturas de José Montero se enmarcan entre lo popular y la tradición; se presentan como un hilo que entreteje la artesanía y el arte, así como lo local y lo global; conceptos que resultan antagónicos, pero que se necesitan el uno al otro para su existencia. Esta unión constituye una dialéctica entre el ser humano y su entorno y genera una identidad y un sentimiento de arraigo por medio de las tradiciones, aunque estén permeadas por hechos históricos.

Con más de 20 años de trayectoria como Artista Visual; obtuvo el Máster en Artes Visuales de la UNAM, México, y fue director de la Escuela de Arte y Comunicación Visual de la UNA entre los años 2013 y 2017, y es académico en esta escuela desde 2006.

 Este artista cuenta con más de 20 exposiciones individuales; entre las que podemos mencionar; Sin-Táctica en el Museo de Arte Costarricense(2004) y Serie Sujetos en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá(2000). Entre sus más de 90 exposiciones colectivas; podemos mencionar ¿Qué Centroamérica? Una región a debate en el MADC en Costa Rica (2006).

ADENTRO/AFUERA Esa supuesta nada en el MAC San José(2006) Cuidado ¡Pinta! o (de)

Construcciones Pictóricas. MADC, San José.(2004). III Bienal del Caribe y Centro América,

Museo de Arte Contemporáneo de República Dominicana (1996). Entre sus variados

premios podemos mencionar que fue ganador de la III Bienal del Caribe y Centro América

de 1996 y recibió la única Mención Honorífica de la VI Bienal de Pintura, Salón Abierto,

Lachner y Sáenz, Costa Rica en 1994. Su obra forma parte importantes colecciones

institucionales como la del MADC, MAC, Museo del Banco Central entre otros y entre las

privadas podemos mencionar, HOLCIM Costa Rica, Banco Continental Panamá, Four

Seasons Resort, Alimentos Jack´s de Centroamérica, Teor/Ética Fundación, Costa Rica.

Artista Costarricense. Licenciado en Artes Plásticas con énfasis en Pintura por la Universidad de Costa Rica. Ha expuesto individualmente en La Galería Alternativa, “Lo simultáneo en el bodegón” (2012). En la Alianza Francesa, “De lo crudo a lo cocido. Estudios sobre fotografía y pintura” (2011), así como en el Museo Islita (2012). Ha participado en exposiciones colectivas internacionales en EE.UU, Italia y Brasil: “34th Bradley International Print and Drawing Exhibition”, Universidad de Bradley, EE.UU (2013), la “XI Biennale Internazionale per l’Incisione”, Museo dell’Incisione, Italia (2013) y “Princípios Flexor” en Galería Gramatura, Brasil (2012)

Entre otros reconocimientos, recibe el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Artes Plásticas (2014), junto al artista Adrián Flores Sancho, por el proyecto Materia Primera. También el Premio Áncora en Artes Visuales Bidimensionales del Periódico La Nación (2013).

El interés de Rosenblatt por el arte óptico (OP Art) es más que evidente. Y aunque en algún momento pareciera hacerle guiños a la propuesta original de los artistas ópticos (la ilusión de crear espacios tridimensionales engañando al ojo por medio del color y las líneas) rápidamente resulta aparente que sus pinturas en realidad tienen una textura visual que podríamos calificar de hipnótica, una especie de “mantra visual” si se me permite el término. Artistas contemporáneos como Peter Coger o Olaf Aliasen guardan una similitud de intereses con la propuesta pictórica de Rosenblatt.  La luz y la representación de la ilusión lumínica vendrían a ser los otros componentes importantes en esta propuesta pictórica, y por ahí comparte con Le Parc una obsesión con la idea de lo luminoso. Más sin tremendismos ni notas pesimistas-todo lo contrario-la obra de Rosenblatt está cargada de sutiles ironías, sorpresas pequeñitas que va dejando para que el espectador las descubra y deguste lentamente.

Laura Quesada es artista visual y escritora nacida en Argentina. Vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió dramaturgia con Ariel Barchilón, Artes de la Escritura en la Universidad Nacional de las Artes, y concurrió al taller de poesía de Cecilia Pavón.

La escritura la acercó a la escenografía y a participar del taller de Escenografía del Arq. Gastón Breyer.

La escenografía la guió hacia el dibujo y la pintura en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, posteriormente con Juan Doffo, y en el taller de pintura y clínica de obra de Sergio Bazán.

Fue guionista de textos humorísticos para teatro y tv, diseñadora, y docente. Actualmente forma parte del proyecto editorial Ronda.

Seleccionada en 2016 en el 105 Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace, Premio Bancor, Banco de Córdoba, artista invitada en la Feria de Arte Valoarte, Costa Rica en 2015-2016

Su trabajo es una reflexión de la sociedad y una critica a los problemas que esta genera. Lluis expresa las dos velocidades en las cuales la sociedad progresa, el imbalance vertiginoso en el mundo, opulencia y pobreza, cultura e ignorancia. Por el otro lado, muestra aislamiento, consumo masivo, alienación y la diaria perdida de la identidad.

Luciano Goizueta Fevrier (1982) vive y trabaja en San José, Costa Rica. Su formación incluye estudios en arquitectura en el Instituto Tecnológico y artes gráficas en la Universidad de Costa Rica.

Ha participado en muestras individuales y colectivas, nacional e internacionalmente entre el año 2004 y el 2018 en diversas galerías, museos y ferias de arte. Su obra ha sido exhibida en Buenos Aires, Bogotá, Nueva York, Miami, Washington, Los Angeles,  San José, Ciudad Panamá, El Salvador, Santo Domingo, Ciudad de México,  Ciudad Guatemala, Vancouver, Shanghai, Basilea, entre otros. Fue galardonado con el primer premio y también Mención Honorífica en Valoarte, Colectiva de Arte Iberoamericano en Costa Rica, 2008. Y con el premio del Salón Nacional de las Artes Visuales 2017 en categoría obra tridimensional otorgado por el Museo de Arte Costarricense. 

Su obra se encuentra en colecciones como la de la Fundación Ortiz Gurdian, Museos del Banco Central, Museo se Arte Costarricense, entre otras. 

Artista guatemalteco nacido en 1959, actualmente vive y trabaja en Guatemala tanto en diseño industrial y gráfico como en fotografía. Su trabajo artístico consiste en la fotografía de objetos, los cuales han sido descritos como una exploración de carácter arqueológico del espacio sociocultural de la contemporaneidad. Ponce ha expuesto individual y colectivamente en El Salvador, Costa Rica, Estados Unidos, Panamá, Argentina y en su natal Guatemala. Asimismo, su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida de Guatemala, la Bibliotèque Nationale de Francia y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica. Gracias a su trabajo Ponce fue el ganador del Primer Premio en la Subasta de Arte Latinoamericano SUMARTE del Museo de Arte de El Salvador.

El barroquismo de las obras de Lydia Dona se construye a partir del entrecruzamiento y el palimpsesto entre diferentes elementos visuales que provienen de los campos de la tecnología, la filosofía y la política. Así, sus obras utilizan planos e instrucciones de” uso de electrodomésticos” como referencia para iniciar sus composiciones para luego agregar a la canvas mapeos, yuxtaposición de colores y líneas que asemejan territorialidad; el resultado es un paisaje que ella califica como “biomorfico ̈, un escenario que es tanto tecnológico como humano. Las obras de Dona incitan al espectador a imaginar los posibles mundos que sus obras representan, al hacerlos se nota que sus pinturas no se alejan del mundo en el que ahora vivimos, en los cuales la tecnología dibuja mapas, regula relaciones humanas, y se convierte en un organismo de autonomía propia. Dona reside y trabaja en Estados Unidos, donde es una de las representantes de la post-abstracción. Sus obras se han expuesto nacional e internacionalmente, y se han utilizado por parte de escritores como referencia para múltiples textos teóricos y filosóficos.

Su obra pictórica, es un homenaje contemporáneo al grabado botánico antiguo, que le suma tamaño, y se adapta al soporte de la tela con colores vivos y planos, jerarquizando aquellos dibujos minuciosos y de estudio. Las obras más recientes, dan un vuelco abstracto y se vincula con la cerámica, que es un soporte que esta explorando hace poco tiempo. Participa activamente en exposiciones colectivas e individuales. Su obra forma parte de colecciones particulares en Barcelona, Florencia, Madrid, Milán, New York y Buenos Aires.

La obra de Maffioli esta indiscutiblemente caracterizada por el uso íntimo del color y la textura, sin embargo estos elementos también podrían describir la cultura costarricense; por lo que la obra de Maffioli no es solo un diálogo interno consigo mismo, sino también un diálogo con los paisajes, las ciudades, y la forma de la psiquis de nuestra región.A travéz de los años la abstracción de Maffioli ha explorado temáticas que van desde la naturaleza hasta los paisajes digitales; estas exploramientos y divertimientos han desarrollado en el artista un lenguaje visual y pictórico lejano a agotarse, y que si embargo mantiene una coherencia tal que hace reconocible la mano del autor. La constante práctica del artista le ha dado el mérito de haber sido un miembro imprescindible de Bocaracá, ser el ganador de múltiples reconocimientos, incluido entre ellos el premio Aquileo Echeverría, así como una larga lista de exposiciones nacionales e internacionales.

Pintor y video instalador. Egresado como licenciado en Artes Plásticas, Universidad de Costa Rica. Ha sido becario del Goethe Instituto de Alemania. Profesor de Arte en la Universidad de Costa Rica en la Escuela de Bellas Artes, Arquitectura y la Universidad Veritas. Doctorado en Mediación Pedagógica de la Universidad La Salle.

Ha sido invitado en dos ocasiones a la Bienal de la Habana-Cuba. En el año 2001 ganó el BIENARTE CR. En 1993 1er Lugar Salón Nacional de Pintura Museo de Arte Costarricense,1993 Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Pintura. Se le considera un pionero en el área de la video instalación y ha realizado varias exposiciones internacionales y nacionales.

Max Leiva tiene mas de 15 años de dedicarse plenamente a la escultura, aunque bien puede decirse que su habilidad se empezó a desarrollar cuando moldeaba prótesis dentales de yeso en el taller dental de su padre. Su acercamiento profesional, sin embargo, y sobre todo su identidad escultórica, se revela al descubrir la figuración prehispánica mayal, enfáticamente se intereso en los rasgos de la frente lanzada hacia atrás propias de los personajes de estas esculturas.

Bajo un carácter disciplinado y bajo en constante estudio de referencias de grandes maestros de la historia de la escultura. Aso como la observación perspicaz del detalle escultórico. Leiva ha creado a través de los años su propia identidad técnica, la cual no niega la deuda con referencias, mas bien sincroniza y las potencia.

Nace en San José, Costa Rica. Desde su infancia siente una gran atracción por la fotografía naturalista, la cual practíca intuitivamente durante su adolescencia explorando los Parques Nacionales de su país.

En 1984 obtiene su Licenciatura en Artes Gráficas en la Universidad de Costa Rica.

Continúa ampliando su experiencia artística, realizando exposiciones individuales y colectivas de fotografía dentro y fuera del país.

Combinando su afición por la naturaleza imparte varios cursos y talleres de Fotografía Naturalista.

Espinar es uno de esos personajes cuyas historias corren sin obstáculos desde su remembranza hasta el relato hablado y el dibujo; un contador de anécdotas nato cuyas experiencias son tan abundantes y extravagantes que requieren una salida de emergencia de su inquieta mente para ser compartidas a otros. La obra de Espinar en este sentido es tanto personal como social; nace de sus experiencias, pero están hechas para ser contadas, es una obra sociable, una conversación plástica que invita a la fiesta y a la celebración. Tanto el arte como la fiesta invitan a demorarnos, son un espacio temporal simultáneo en el cual las personas se distancian de la temporalidad cronométrica del trabajo y el horario; la fiesta es suspensión de ese tiempo social; ocurre cuando se comparte el café, la comida, el trago. Tanto la obra de arte como la fiesta son organismos vivos que tienen su propio tiempo, nos demoramos, nos detenemos ante ella. Así es la obra de Espinar, es el demorarse con aquel que se comparte mientras se intercambian relatos y pláticas; es el “uy se me pasó la hora” en contemplación y goce.

Miguel Rojas

Nayubel Chavarria  nace en Costa Rica en 1968.  Estudia publicidad y ejerce en esta carrera  como Directora Creativa de importantes nombres comerciales,  para luego migrar a la planeación estratégica de marcas. 

​En el año 2018 se tropieza con el arte de una forma espontánea  que la sedujo y atrapó para siempre. Desde este encuentro no para de pintar, estudiar, leer  y explorar con diversas técnicas. Poco a poco descubre en el acrílico y la acuarela sus medios favoritos de expresión, sin dejar la constante  búsqueda de nuevas formas que manifiestan su inquieta personalidad.

​Su obra es definida como arte abstracto. Encuentra en el juego infinito de la forma y el color la manera de expresar la convivencia humana. “ No importa que tan diferentes seamos , cuando nos unimos en un fin común, el resultado es armonioso”

​Su paleta de color es fresca, divertida  y sutil , con un fuerte y reconocible carácter.

​Ha realizado varias exposiciones colectivas e intervenciones exteriores en comunidades . 

Priscilla Monge aparece en escena artística nacional e internacional en la década de los noventa como una de las principales representantes centroamericanas de la vertiente artística del postmodernismo. Sus obras toman postura en la cual el género, las relaciones interpersonales y los anhelos individuales se encuentran en un constante diálogo con las reglas y normas de la sociedad; reflejando así las ironías y los conflictos de nuestra colectividad. Si bien su carrera artística empieza utilizando el medio de la pintura, pronto descubre en el uso de objetos y en la fotografía una lógica interna que le permite extender sus motivaciones. La fotografía, especialmente desde el año 2000, ha sido una de sus predilectas formas de expresión, ya que le permite escenificar “simulacros” de eventos cotidianos teñidos tanto de melancolía como de humor; extrañamiento que ofrece al espectador un signo de interrogación hacia las complejidades que están detrás de sus fotografías; las razones y las causas de su quehacer. El amplio reconocimiento de Monge le ha llevado ha exponer en múltiples bienales alrededor del mundo, formando parte del grupo de artistas que representan la escena artística contemporánea de nuestro país.

Paulina Ortiz es una artista y diseñadora de textiles que ha formado su carrera en Costa Rica, el país en el cual creció. Obtuvo su bachillerato en Bellas Artes con énfasis en textiles en California College of the Arts, y su licenciatura de la Universidad Nacional de Costa Rica., donde actualmente enseña arte de textiles y diseño. Su experiencia profesional incluye consultoría de textiles, arte y diseño de interiores, arquitectura y coleccionistas. Ha exhibido y dado charlas internacionales, su trabajo ha sido publicado en mas de 65 libros y revistas internacionales como Textile Forum y  Fiberarts and Embroidery.

En su trabajo a través de elementos formales como el color, la textura y la pincelada, Anaskin construye un canal que ayuda a comprender su identidad, aferrándose a su grupo como la familia, define el lugar o el no lugar creado por cuentos, historias y recuerdos fantásticos. Un análisis personal sobre la migración, una doble procedencia y ser y no ser parte de un espacio y una tradición simbólica y cultura diferida.

Rosella es una artista tanto performativa como plástica que induce al espectador hacia el misticismo y la introspección. Su carreara se nutre de rituales que ella elabora, incluida la práctica de la pintura misma la cual se convierte en un acto de expresión individual. Matamoros se avoca hacia el expresionismo abstracto, estilo que explota la sensibilidad matérica y espiritual del artista. se ha de subrayar que la artista, al ser también performativa, no solo usa su pincel para crear las obra, usa a la vez el movimiento corporal; sobre todo cuando el estado mental y emocional del cuerpo se traduce en distintas modalidades de aplicar la pintura y el pigmento. La obra de Matamoros se caracteriza por ser el resultado de una práctica corporal, una reflexión anímica y un estado de apreciación.

Artista visual costarricense residente en Barcelona, España. Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios por MECAD\Media Centre d’Art i Disseny de la Escola Superior de Disseny ESDi, Barcelona, España. Desarrolla su obra en pintura y gráfica. Ha realizado exposiciones individuales y ha participado en más de cincuenta muestras colectivas en Alemania, Chile, Costa Rica, Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Honduras, México y Nicaragua

La obra de Leiva evoca que el ser humano se transmuta a diario, se es familia, amigo, profesional, y amante. Se tiene tantos cuerpos como estados, y tanto carne como espíritu bailan transformándose mutuamente para crear en conjunto lo que llamamos ser. Nos movemos entre alegrías fieles, fantasmas cansados, pasados y futuros; justo como Leiva se mueve entre los pliegues de sus telas. Suerte, destino, casualidad, y determinación nos cambian las pieles que habitamos, así el artista lo refleja en sus obras. En su performance controla las telas y las telas le controlan a él; no por ello deja de ser una danza donde se reconoce como individuo y actor; el hecho de fotografiarse es el acto performático de congelar esos momentos de cambio, aceptando que somos, ante todo: movimiento.

La obra de Walterio Iraheta es el resultado reflexivo sobre objetos de la hemenogia cultural y el consumo masivo tanto de imágenes como de objetos. Provenientes de la icónica “cajita feliz” de McDonald’s, los modelos pictóricos de Iraheta son intervenidos físicamente con grafito, convirtiéndolos en pequeñas esculturas acromáticas que luego sirven como referencia directa para sus pinturas.

De esta manera, el acto de acumular objetos, el acto de intervenirlos, el acto de convertirlos en el sujeto de la pintura se convierten en un acto de resistencia ante la iconicidad de las figuras del cine y de la negación de color y la serialización enviste de seriedad y a la vez de la comicidad a las pequeñas figuras de plástico. El trasfondo, Iraheta utiliza la identidad popular que estas figuras crean en la memoria colectiva, valiéndose de la facilidad con que reconocemos a personajes como Jack para luego proyectarlos como modelos de pintura.

El Calendario es el tiempo, la “indiferencia cósmica” que independientemente de lo que suceda en nuestras vidas o en nuestro entorno el tiempo no para, no se detiene, el mundo sigue girando.

Inspirado en los “almanaques” o calendarios que disfrutaba en mi infancia, con estampas de ciudades y sitios con arquitecturas espléndidas, estructuras llenas de luz, de color y hermosos detalles que transportaban mi imaginación a mi entorno, a mis pequeñas ciudades donde transitaba mi vida, en paseos o haciendo mandados en la capital, y en el trayecto disfrutaba admirando las hermosas casonas campesinas, sencillas casas de madera pintadas clásicamente con celeste y rosa, o verde piscina y rosa, con marcos blancos, o de adobe o bahareque con grandes muros, tejas, ventanas de hoja y puertas altas, exquisitas casas de influencia victoriana con detalles magistrales, o modernas casas en los barrios josefinos, o los revestimientos metálicos en las partes altas y húmedas, además en la ciudad, encontraba ladrillo, lata, cemento, madera, hierro, edificios preciosos, casas pintorescas o elegantes y me imaginaba esas arquitecturas bellisimas en los almanaques que daban los comercios en diciembre, eso nunca sucedió.

La fotografía y el laboratorio digital me permitieron crear estas piezas artísticas, esas ciudades imaginarias llenas de ricos detalles recogidos de nuestras casas y edificios antiguos, que intervengo con colores tropicales por medio de acuarelas, làpices de color, acrílicos, tintas y barnices, para ubicarlas en un tiempo y espacio, e ilumino en función al clima del mes. Disfruto lo ecléctico de nuestra arquitectura, que al igual que nuestra etnia es diversa, multicolor y universal, El tiempo, la patina que deja el tiempo en la ciudad, en su arquitectura, en su alma, esas texturas oxidadas y añejas que suben las paredes y se hospedan en las puertas, en las ventanas, esas pequeñas ciudades de la Ciudad que habito y que me permiten recrear un CALENDARIO hermoso, identitario y reflejo de nuestras raíces y nuestro pasado.

Xiavier es un artista que utiliza el hiperrealismo para construir sus obras. Su carrera se enfoca en practicar la pintura académica y la reproducción de imágenes populares. Sin una temática o motivo particular, Xavier se trasladad de un carácter pictórico a otro como un copista de emociones contemporáneas. Hoy día es un sujeto de interés para aquellos interesados en la pintura, la calidad técnica y el realismo.